A principios de 1990 surge la lomografía, un movimiento cultural y social que se ha extendido a nivel mundial, gracias al descubrimiento de las posibilidades creativas que ofrecen las cámaras compactas soviéticas LOMO: imágenes viñeteadas, con error de gama, mayor saturación del color y captación del movimiento sin flash.

A pesar de su soporte analógico, la lomografía se ha posicionado frente a la fotografía digital como fenómeno de culto y filosofía de vida. No te preocupes por lo que hayas fotografiado ni por cómo haya quedado… A la lomografía sólo le importa el disparo casual y el instante. Lleva tu cámara siempre contigo, acércate a la realidad con el objetivo y dispara rápido, sin necesidad de mirar por el visor. No importan las condiciones de iluminación ni la técnica, se puede disparar en cualquier momento y situación y lo puede hacer cualquiera. Una invitación a la espontaneidad y un interés por captar el momento a cada momento. No pienses, ¡dispara!.

Actualmente, existe todo un mercado para la lomografía y una comunidad de apasionados que la mantienen. Cámaras más evolucionadas, con diferentes posibilidades creativas y nuevos accesorios, enriquecen el panorama y hacen crecer el fenómeno, que no se ha limitado a su difusión mediante galerías virtuales y ya se puede ver en galerías a pie de calle, como en las LOMOgalleries en Madrid y Barcelona, que se inauguraron este mismo año.

No os perdáis las galerías de la Lomographic Society International, centro neurálgico del movimiento a nivel mundial, ni de LomoSpain, referente del movimiento lomográfico en España. En flickr también encontraréis una amplia galería aquí. Aprovecho para mencionar a los amigos de 2black, que hace pocos días me sorprendieron con su propia R&Mc’s Lomo Gallery, un proyecto actualizado de una versión anterior que ya encontré muy interesante en su día (lomografía + diseño + música es siempre una buena combinación) y la galería de lomografías de fran simó, hechas con fisheye, en su fotolog justpictures.

Para acabar, un vídeo aquí.

Imagen original: ‘LCA Mosaic‘ | Autor: David Roca

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Ya hace un tiempo se puso en marcha la comunidad on-line COLOURlovers™, pensada para los profesionales del mundo creativo y los amantes del color. Lo que más llama la atención al entrar es la variedad de paletas de color que ofrece. Pero lejos de ser un enlace que se limite a ofrecernos combinaciones de colores que nos gusten más o menos para utilizar en nuestros proyectos, investigando un poco, encontramos un montón de utilidades que hacen de este sitio un lugar ideal para aprender, desarrollar y compartir con más personas una cultura del color en la red.

Paletas de color creadas, compartidas y valoradas por los mismos usuarios, foro de discusión, blog con noticias y artículos relacionados con el mundo del color, entrevistas a profesionales y examen de las últimas tendencias en color.

Todos los colores tienen su equivalente en hexadecimal y en RGB, ofreciendo infinitas posibilidades para aplicaciones en pantalla.

Un espacio visual útil e inspiracional. No dejéis de visitarlo.

Os recomiendo una exposición en Barcelona, y gratuita: Nicolas de Staël, en la Pedrera.

La exposición consta de unas 60 obras, en las cuales podemos ver una muestra de la prolífica, aunque corta e irregular, trayectoria de este artista, un apasionado por la pintura hasta sus últimas consecuencias.

Su obra se sitúa a mediados del siglo XX, y es importante porque contribuyó a superar la discusión abstracción-figuración, heredera de un agitado periodo de vanguardias. En la exposición podemos ver una evolución desde el empaste de sus primeras obras abstractas hasta la fluidez de sus últimas piezas, cuadros que tienden a una figuración vaga e inacabada, únicamente modelada por el espacio y el color.

No os perdáis ver en directo las obras. Los colores son vibrantes, luminosos, en muchos casos violentos, demostrando la pasión del artista por su proceso de búsqueda a través de la pintura. Una clase magistral de construcción a través del cromatismo: pintura en estado puro.

Aquí podéis aprender más sobre el artista y aquí podéis ver una galería con algunas de sus obras.

Trabajar con tipografía en nuestros diseños web será más fácil con el uso de dos herramientas on-line: Font Tester y Typetester.

Ambos sistemas funcionan de manera muy similar: podemos introducir nuestro propio texto, escoger fuentes seguras, o las que tengamos instaladas en nuestro sistema operativo, y modificar todos los valores de hoja de estilo, pudiendo comparar en una estructura por columnas. Una vez tengamos claro el estilo del texto, podremos obtener el código CSS necesario para incluir en nuestro selector (en el caso de Font Tester incluso nos lo genera a partir del tipo de selector que le especifiquemos).

Ambos sistemas funcionan muy bien, decantarse por uno u otro es cuestión de gusto.

Hace poco he descubierto esta galería de carteles históricos, la más extensa que he visto hasta el momento en internet. Su recopilador es Jaume d’Urgell, que los ha puesto a disposición de todos (y con licencia Creative Commons). La calidad de las imágenes de la galería no es de impresión, y se echa a faltar la autoría de cada cartel, pero es suficiente para que disfrutemos de esta gran colección virtual.

Navegando entre sus páginas podemos ver la gran riqueza gráfica de estos carteles, influenciados por el cartelismo soviético (un estilo constructivista muy evolucionado, con composiciones marcadas por diagonales, colores primarios, incluso el uso de fotomontajes), el realismo en las ilustraciones (heredero de la tradición realista de la pintura española), la abundancia de tipografías rectas y de palo seco Art-Decó y la monumentalidad en las figuras de los carteles del bando nacional.

Carteles cuya función principal era propagandística, mucho más abundantes desde el bando republicano, que encontró en el cartel una manera de manifestar su fuerza y su unión más allá de las armas.

Otras galerías complementarias con carteles de guerra las tenéis aquí y aquí.

Imagen original: ‘0195‘ | Autor: Jaume d’Urgell

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Fotógrafa americana pionera en documentar el arte urbano surgido en las zonas más marginales de Nueva York, en crisis económica y social durante los años 1970 y 80.

Sus fotografías fueron especialmente relevantes, ya que no se limitaron a reproducir muros pintados con aerosol, sino que captaron el contexto dentro del cual surgía una nueva manifestación artística y cultural: eran los albores del hip hop. La publicación del libro Subway Art a mediados de los 80, en colaboración con Henry Chalfant, difundió la cultura del graffiti por todo el mundo.

Aquí y aquí podéis ampliar información sobre Martha Cooper. No os perdáis su página kodakGirl ni su galería NyCity Snaps con fotos más actuales. Aquí podéis ver una entrevista con motivo de la firma de su libro Street Play.

Estuvo en el lugar apropiado y en el momento preciso. Y supo aprovecharlo.

Imagen original: ‘Martha Cooper Hip Hop Files‘ | Autor: Ben Outram

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Coincidiendo con el 50 aniversario de la tipografía Helvética, el 13 de marzo de este mismo año se estrenaba Helvetica. A Documentary Film by Gary Hustwit. Su premiere mundial fue en el South by Southwest Film Festival, de Austin, Texas, y actualmente está dando la vuelta al mundo proyectándose en diversas instituciones, festivales, museos y conferencias.

Todavía no se han publicado fechas de proyección del documental en Barcelona, pero su DVD se pondrá a la venta oficialmente el día 6 de noviembre, en versión estándar y de lujo, pudiéndose comprar anticipadamente. La edición de lujo, en caja especial, con numerosos extras y limitada a 1.000 ejemplares, sólo se podrá adquirir on-line.

¿Y por qué la Helvética está tan presente en nuestra vida diaria? ¿En qué momento se produjo vía libre para la uniformidad tipográfica? ¿Por qué motivo? ¿Cuál es su presente y su futuro? Vía Foroalfa os dejo con La Helvética hoy, unas interesantes reflexiones de Marcos Dopico Castro acerca de la universalización tipográfica.

Vía bebuguita descubro a esta artista urbana francesa, cuya obra ha pasado de los muros de ciudades como París, Londres, Berlín, Montreal, Nueva York y Barcelona a las galerías de arte.

Empezó a pintar en las calles a la edad de 18 años. Transcurría el año 1993 y sus creaciones, figuras femeninas con un estilo muy expresivo y personal, se movían de muro en muro como una ráfaga de aire fresco y vaporoso para un arte urbano eminentemente masculino. Pronto sus grafitos empezaron a popularizarse, adquiriendo una cualidad icónica inconfundible. Muñecas de aspecto infantil, fetichistas, sexys y voluptuosas, que han ido evolucionando desde la factura enérgica del aerosol a la sofisticación, delicadeza en el trazo y detalles del pincel.

Aquí podéis ver una galería con sus obras y aquí un vídeo de la realización de un mural.

A seguirle el trazo…

Imagen original: ‘Raval street art (6)‘ | Autor: Jens

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Guapo, muy guapo. Un diseño excepcional: limpio, simple, perdurable y especialmente pregnante. Amor a primera vista.

Originariamente concebido como valla publicitaria de carretera que representara las cualidades del brandy Veterano de Osborne, este símbolo diseñado por el artista Manolo Prieto se ha convertido en un icono cultural capaz de generar amor u odio, pocas veces indiferencia.

Dejando de lado sus connotaciones al margen del ámbito del diseño, en un viaje en carretera, el emerger repentino de un Toro de Osborne se convierte en una visión de ensueño. Entramos por unos instantes en el País de las Maravillas y nos hacemos cada vez más diminutos observando una poderosa silueta de toro a escala monumental, potente, perfectamente trazada. Una representación bidimensional equilibrada y acertadísima a la que no le falta ni le sobra nada para que la reconozcamos como volumen: no hay duda, es un toro. Y no necesita que veamos nada dibujado en su interior, por ejemplo, sus ojos, para saber que está mirando al frente, bravo y decidido.

Escogido mejor diseño del siglo XX por los premios FAD, el Toro de Osborne es una de las escasas propuestas gráficas que puede presumir de haberse instaurado en el imaginario colectivo, única e inspiradoramente.­

Más información sobre el Toro aquí y más obras de su autor aquí.

Imagen original: ‘El toro de Osborne‘ | Autor: mirando

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Cojo un lápiz. Experimento un leve terror inicial al papel en blanco. Un concepto que se deja marear en mi mente (parece ser que al menos mi mente no está en blanco). Garabateo. Empiezo a definir líneas, aparentemente sin sentido, que se convierten en pura estructura, definiendo direcciones, movimiento, modelando espacios y volúmenes. Pasa el tiempo. Lo dejo reposar. Llego a plasmar el concepto mareado en mi mente con una exactitud primitiva… Pero siempre aparece algo nuevo sobre el papel: he desenterrado una nueva idea en estado fósil y me dispongo a desfosilizar. Cuanto más aboceto sobre el papel más descubrimientos obtengo. Algunos desechables, otros indispensables. Voy desentrañando la maraña del pensamiento con cada trazo y obtengo algo nuevo, algo mejor, peor… o simplemente distinto. ¿Cómo el procedimiento tan sencillo de garabatear en un papel líneas con un lápiz puede generar tanto conocimiento?

Esta es mi primera entrada en mi weblog personal. Esta es mi primera línea del boceto. Una simple línea de movimiento.