La Sala Tecla Sala, cumpliendo con su propósito de ofrecer exposiciones de calidad y gratuitas en su excelente espacio, nos presenta en esta ocasión la primera gran exposición de Chema Madoz en Catalunya.

El recorrido por la colección es delicioso, totalmente visual, sin espacio para las palabras, pues las imágenes hablan por sí mismas. Escenas ocurrentes, cómicas, poéticas, intrigantes, en las que nada es lo que parece.

Excelentes fotografías en blanco y negro muestran la peculiar manera que tiene Chema de interactuar con la realidad, manipulando y descontextualizando objetos, creando nuevos signos y significados.

El tesón y la creencia firme en su trabajo son clave en la obra de Chema Madoz. Al final de la exposición podréis ver un vídeo del artista en el cual se hace patente una constante búsqueda interior.

No os la podéis perder, y yo voy a repetir. Hasta el día 30 de marzo hay tiempo.

¿Os apuntáis?

Esta tarde he ido a visitar la exposición Chillida Codis.

La muestra recoge una parte de la obra gráfica de Eduardo Chillida, que se inició en el grabado en el año 1959. A partir de entonces, utilizó diversas técnicas, tomando como predilecta el aguafuerte, para expresar gráficamente las premisas de su obra escultórica.

La exploración del espacio y sus límites, los llenos y vacíos, la textura de la materia y su diálogo con el espacio circundante son clave en la escultura de Chillida. En el medio bidimensional utiliza formas blancas y negras que delimitan y conforman el espacio. Un juego de contrastes, de llenos y vacíos, para atrapar el espacio o dejarlo fluir. Un cuidado interés por tratar las texturas y por definir los límites de las composiciones.

La obra gráfica de Chillida está tan perfectamente realizada como su obra volumétrica. Manchas geométricas e icónicas, en un intento de sugerir el espacio dentro del papel, de crear equilibrios óptimos entre blancos.

Aunque carezcan de la potencia de la obra escultórica con la que se relacionan, son pregnantes y capaces de funcionar como piezas gráficas independientes, desprendiendo mucho equilibrio y belleza formal.

Podéis ver la exposición hasta el 21 de octubre en la sala Tecla Sala de l’Hospitalet. Entrada libre. Está previsto que la exposición viaje próximamente a Terrassa y Vilafranca.

Más información aquí.

El sello americano Blue Note fue fundado en 1939 por Alfred Lion junto al fotógrafo Francis Wolff. El respeto por los músicos y la creatividad fueron determinantes en la calidad de sus grabaciones y en el diseño de las carátulas de sus álbumes, por encima de los condicionantes económicos.

En un principio ilustradas con las fotografías características que Wolff tomaba durante los ensayos, las portadas de los discos Blue Note encontraron su identidad gráfica definitiva gracias al trabajo del diseñador Reid Miles.

Miles realizó durante los 11 años que trabajó para Blue Note unas 500 portadas. Su estilo plasmó de manera innovadora las características abstractas y ambientales de la música jazz en un soporte bidimensional: diseños geométricos y minimalistas con una paleta de color muchas veces limitada a tres colores (blanco y negro junto con un tercer color) y abundancia de juego tipográfico en contraste con las fotografías características que le proporcionaba Wolff, muchas veces reducidas a pequeños e inusuales formatos.

Algunos ejemplos de portadas características del estilo Blue Note desarrollado por Miles las podéis ver aquí, aquí y aquí.

Se ha dicho de Miles que era más amante de la música clásica que del jazz, lo cual puede parecer contradictorio, por la identificación tan acertada del diseño gráfico con la música que representaba. Pero precisamente en esa distancia encontró Miles la libertad de experimentación que, junto con el interés que Blue Note siempre puso en la creatividad, nos dejó obras gráficas elevadas a la categoría de icono.

La llegada del CD y la entrada en la era digital han cambiado el panorama musical drásticamente. Los condicionantes económicos se imponen a la creatividad, las carátulas de discos ya no son determinantes para la compra, y el énfasis en la figura del artista hace que sean ellos mismos los que deciden el estilo de diseño que quieren para sus portadas. Llegaron también nuevos tiempos para Blue Note.

Aquí y aquí tenéis los enlaces fuente. Una galería muy extensa con portadas de álbumes de jazz la podéis ver aquí, entre las cuales se distinguen fácilmente las carátulas del estilo que creó Reid Miles para Blue Note. Libros relacionados: aquí.

Coincidiendo con el 50 aniversario de la tipografía Helvética, el 13 de marzo de este mismo año se estrenaba Helvetica. A Documentary Film by Gary Hustwit. Su premiere mundial fue en el South by Southwest Film Festival, de Austin, Texas, y actualmente está dando la vuelta al mundo proyectándose en diversas instituciones, festivales, museos y conferencias.

Todavía no se han publicado fechas de proyección del documental en Barcelona, pero su DVD se pondrá a la venta oficialmente el día 6 de noviembre, en versión estándar y de lujo, pudiéndose comprar anticipadamente. La edición de lujo, en caja especial, con numerosos extras y limitada a 1.000 ejemplares, sólo se podrá adquirir on-line.

¿Y por qué la Helvética está tan presente en nuestra vida diaria? ¿En qué momento se produjo vía libre para la uniformidad tipográfica? ¿Por qué motivo? ¿Cuál es su presente y su futuro? Vía Foroalfa os dejo con La Helvética hoy, unas interesantes reflexiones de Marcos Dopico Castro acerca de la universalización tipográfica.

Vía bebuguita descubro a esta artista urbana francesa, cuya obra ha pasado de los muros de ciudades como París, Londres, Berlín, Montreal, Nueva York y Barcelona a las galerías de arte.

Empezó a pintar en las calles a la edad de 18 años. Transcurría el año 1993 y sus creaciones, figuras femeninas con un estilo muy expresivo y personal, se movían de muro en muro como una ráfaga de aire fresco y vaporoso para un arte urbano eminentemente masculino. Pronto sus grafitos empezaron a popularizarse, adquiriendo una cualidad icónica inconfundible. Muñecas de aspecto infantil, fetichistas, sexys y voluptuosas, que han ido evolucionando desde la factura enérgica del aerosol a la sofisticación, delicadeza en el trazo y detalles del pincel.

Aquí podéis ver una galería con sus obras y aquí un vídeo de la realización de un mural.

A seguirle el trazo…

Imagen original: ‘Raval street art (6)‘ | Autor: Jens

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Guapo, muy guapo. Un diseño excepcional: limpio, simple, perdurable y especialmente pregnante. Amor a primera vista.

Originariamente concebido como valla publicitaria de carretera que representara las cualidades del brandy Veterano de Osborne, este símbolo diseñado por el artista Manolo Prieto se ha convertido en un icono cultural capaz de generar amor u odio, pocas veces indiferencia.

Dejando de lado sus connotaciones al margen del ámbito del diseño, en un viaje en carretera, el emerger repentino de un Toro de Osborne se convierte en una visión de ensueño. Entramos por unos instantes en el País de las Maravillas y nos hacemos cada vez más diminutos observando una poderosa silueta de toro a escala monumental, potente, perfectamente trazada. Una representación bidimensional equilibrada y acertadísima a la que no le falta ni le sobra nada para que la reconozcamos como volumen: no hay duda, es un toro. Y no necesita que veamos nada dibujado en su interior, por ejemplo, sus ojos, para saber que está mirando al frente, bravo y decidido.

Escogido mejor diseño del siglo XX por los premios FAD, el Toro de Osborne es una de las escasas propuestas gráficas que puede presumir de haberse instaurado en el imaginario colectivo, única e inspiradoramente.­

Más información sobre el Toro aquí y más obras de su autor aquí.

Imagen original: ‘El toro de Osborne‘ | Autor: mirando

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